Si el Renacimiento inventó la «ventana» a la realidad, el Cubismo se encargó de romper ese cristal. Surgido en París alrededor de 1907 de la mano de Pablo Picasso y Georges Braque, el Cubismo es probablemente la revolución estética más radical de la historia del arte moderno. Su propuesta era tan audaz como contraintuitiva: en lugar de pintar un objeto desde un solo punto de vista, el artista debía representarlo desde múltiples ángulos simultáneamente en un mismo plano.
El Fin de la Perspectiva Única
Desde el siglo XV, el arte europeo se había basado en la perspectiva lineal, que asume que el espectador mira la escena desde un punto fijo y estático. El Cubismo rechazó esta idea, argumentando que nuestra percepción de los objetos es, en realidad, una suma de experiencias. Cuando miramos una mesa, nuestro cerebro combina la visión del sobre, de las patas y del perfil.
Los cubistas intentaron plasmar este proceso mental en el lienzo. Al fragmentar los objetos en formas geométricas —cubos, esferas y triángulos— y reensamblarlos de manera multidimensional, lograron capturar la esencia de la forma en lugar de su apariencia superficial. Esta ruptura no fue un capricho estético, sino una respuesta a los avances científicos de la época, como la teoría de la relatividad de Einstein, que empezaban a sugerir que el tiempo y el espacio no eran absolutos.
Las Dos Etapas: Cubismo Analítico y Sintético
La evolución de este movimiento se divide generalmente en dos fases fascinantes:
- Cubismo Analítico (1909-1912): En esta etapa, los artistas «analizaban» el objeto hasta casi hacerlo desaparecer. Las pinturas se volvieron densas, con una paleta de colores muy reducida (grises, ocres y verdes) para que el color no distrajera de la estructura. Las obras de este periodo, como el Retrato de Ambroise Vollard de Picasso, parecen rompecabezas de facetas cristalinas donde la figura y el fondo se fusionan.
- Cubismo Sintético (1912-1914): Tras llevar la fragmentación al límite, Braque y Picasso introdujeron el concepto de collage. Empezaron a pegar materiales reales en el lienzo: recortes de periódico, partituras musicales, trozos de hule o arena. Esta fase es más colorida y legible. El «sintetismo» consistía en construir un objeto nuevo a partir de signos o fragmentos de la realidad, cuestionando qué es lo que hace que una imagen sea «real».
El Impacto de «Las señoritas de Avignon»
El punto de partida de esta revolución fue la monumental obra de Picasso, Las señoritas de Avignon (1907). En este cuadro, el artista malagueño no solo simplificó las figuras femeninas en planos angulosos, sino que incorporó la influencia del arte africano e ibérico, rompiendo con los cánones de belleza occidentales. Fue una obra tan agresiva para su tiempo que incluso sus amigos más cercanos pensaron que Picasso se había vuelto loco. Sin embargo, ese cuadro abrió la puerta a todas las abstracciones del siglo XX.
Un Nuevo Lenguaje Visual
El Cubismo no buscaba ser comprendido a través del sentimiento, sino a través del intelecto. Exigía un espectador activo que se esforzara por reconstruir la imagen en su mente. Aunque el movimiento como grupo fue breve (interrumpido en gran parte por el estallido de la Primera Guerra Mundial), su influencia es incalculable.
Sin el Cubismo, no habrían existido el Futurismo, el Constructivismo ni el Diseño Moderno. Nos enseñó que la realidad es fragmentaria y que el arte no tiene por qué ser una copia del mundo, sino una construcción autónoma con sus propias leyes. Hoy, cada vez que vemos un diseño geométrico o una arquitectura de vanguardia, estamos viendo el eco de aquella explosión que ocurrió en un pequeño estudio de Montmartre hace más de un siglo.